"Frenar la disidencia afecta a todos, incluso a los músicos", Anoushka Shankar. Vibhuti Patel

Anoushka Shankar

Traducción Alejandro Leibowich

21 / MAR / 2017 A los 35 años, la sitarista Anoushka Shankar, la talentosa hija de Pandit Ravi Shankar, se ha convertido en una música exitosa por derecho propio. Una mujer de origen hindú, nacida en Londres, criada en tres continentes, está criando a dos hijos, incluso cuando cumple con las implacables demandas de su carrera. De su rica vida multicultural, dice: "No sería quien soy sin él (su padre);mi pasaporte es sólo un trozo de papel". En abril, realiza una gira por los Estados Unidos con un concierto de música clásica, que se estrena en Nueva York. Ayuntamiento. Habló con Vibhuti Patel, por teléfono, desde Londres.

Extractos:

-En la India, la ficción, la poesía, el arte visual, incluso la historia, han sido amenazados políticamente en los últimos años. Como compositora, ¿ves tu libertad cultural y creatividad en peligro en la música?

-En la medida en que incluso nuestra capacidad de hablar libremente se haya reducido, todas las expresiones se verán afectadas. Es posible que no veamos de inmediato el impacto en una pieza instrumental, pero si una sociedad está limitada en su capacidad para expresar opiniones aunque sean contradictorias, o disentir, o criticar a los que están en el poder, eso tiene un efecto general en la libertad de toda expresión, incluida la de los músicos.

-¿Cómo crees que los artistas occidentales están respondiendo al clima actual de racismo y xenofobia?

-¡Es brillante! Me cuento en su número. Escribo cartas al gobierno, llamo a amigos y les pido que agreguen sus nombres a las peticiones. Marcho, escribo música, participo en los beneficios. Para mí, es una extensión natural de ser un ciudadano, de usar la voz cuando es importante. Es peligroso estar en silencio. Si uno tiene una voz que la gente escucha, es importante seguir usándola.

-¿Qué pueden hacer los artistas para salvar nuestras ricas tradiciones?

-Mi experiencia ha sido que sólo se puede mantener viva una tradición manteniéndola viva. Cuando una tradición se congela en el pasado, se arriesga a su propia desaparición. Deja de ser relevante para la gente de hoy al convertirse en una reliquia, para ser atesorada como algo en un museo. Una forma de arte debe ser algo que se extraiga, se use, se ame y se tenga como parte de tu vida, como un plato favorito en su sitio en lugar de (algo escondido) en una caja negra. Para mí, se trata de exponer a las personas a una forma de arte para que no la sientan extraña o intimidante. Se trata de permitir que la forma evolucione y respire como una tradición viva, por lo que continúa creciendo y relacionándose con las personas de cada generación subsiguiente.

-Todos nuestros grandes maestros de sitar, tu padre, Ustad Vilayat Khan, Abdul Halim Jafar Khan, han fallecido. ¿Cómo ves a tu generación lidiar con el peso de una tradición tan majestuosa?

-No lo veo así. Palabras como "hacer frente a" o "llevar el peso de" una tradición implican algo demasiado grande para soportar. Desde una perspectiva tan negativa,todo se vuelve imposible de realizar: ¿cómo puede uno interpretar desde una perspectiva con semejante carga? Para mí, la música viene del amor y la conexión, de la alegría y la apertura. Uno tiene que encontrar una manera de expresarse desde ese lugar, no sentir que es una sombra. Si los oyentes quieren que la música cobre vida, es importante apoyar positivamente a los músicos más jóvenes.

-Puede que no sea una "carga", pero es una tradición que se está heredando y llevando a cabo.

-Tenés razón, es una tradición que uno hereda y continúa. Y, cómo nos las arreglamos es una pregunta natural, una pregunta importante. Ninguno de nosotros es representativo de una generación completa, somos individuos que provienen de diferentes subconjuntos musicales y "gharanas". Hacemos esto de diferentes maneras; alguien más podría enfocar esto de una manera completamente diferente a como lo hago yo.

-¿Están saliendo suficientes músicos más jóvenes para llevar la antorcha hacia adelante?

-No se trata de números, se trata del tipo de apoyo y exposición, la financiación y la educación que se recibe en la música clásica. La presión para comercializar constantemente nuestra música, en lo que se llama la "new wave", obliga a los músicos a hacer colaboraciones y fusiones, sólo por su propio bien. No es que la fusión o el "crossover" estén equivocados. Soy una fanática de tales colaboraciones, las hago yo misma, pero hay una tendencia a la demanda de que los artistas clásicos hagan eso: para darles el escenario y la exposición que merecen, para calificar las cosas como una nueva colaboración, una nueva asociación. No le permite a la música clásica pura el espacio y el respeto sólo por ser ella misma. Eso es lo que me preocupa. Por lo tanto, los espectáculos de gran exposición suelen ir a un dúo aleatorio, y están organizado entre dos personas, ninguna de las cuales obtendría esa exposición de forma independiente, incluso si fueran genios. Ese tipo de sistema de marketing promocionado parece endémico en la India en este momento. Sofoca el apoyo de la música.

-¿Ha afectado esto a tus experimentos como compositora con, digamos, la fusión?

-He estado involucrada en el trabajo de "crossover" durante 12 años. No era tan común como lo es ahora. Era inusual que los músicos clásicos hicieran eso, pero he hecho una carrera tratando de probar que uno puede aferrarse a las raíces de uno al mismo tiempo que prueba cosas nuevas, que no se excluyen mutuamente. Mi padre fue un ejemplo perfecto de eso. Desde el principio, fue un pionero que enfrentó críticas por hacer cosas que eran nuevas en ese momento. Los artistas deberían poder tomar riesgos y probar cosas nuevas, así es como crece una forma de arte, es lo que la mantiene viva. Yo misma no lo llamo "fusión". Lo llamo más específicamente, basadome en cada proyecto en particular. Mi último, "Land of Gold"(2016), es un álbum experimental que presenta música clásica india y minimalismo clásico occidental. Tiene un enfoque cinematográfico y fusiona instrumentos de maneras novedosas, simbólicas de la vida multicultural que llevo. Creo en el diálogo a través de las fronteras.

https://www.youtube.com/watch?v=chaELsCyNpA

-Has actuado con algunos de los grandes de la música clásica occidental. ¿Continuarás con eso o estarás completando el círculo con "Hogar"?

-Esta última temporada ha sido increíble: debuté con la Filarmónica de Berlín, justo antes de eso, toqué con la Filarmónica de Los Ángeles y la Filarmónica de Nueva York. Toqué el Sitar Concerto No. 2 de mi padre en estos tres conciertos con Zubin Mehta. Entonces, todavía estoy trabajando en el ámbito de la transición clásica entre la música occidental e india, con conectores y orquestas líderes, colaborando con músicos en la nueva música. Con "Home", el álbum clásico indio de 2015, traté de mantenerme conectada con mis raíces al mismo tiempo que crecía y me convertía en una nueva música. No había hecho un disco clásico en mucho tiempo, así que sentí un profundo deseo de hacerlo pero sabía que continuaría explorando y experimentando.

-¿Cómo se equilibra el matrimonio, la maternidad y la musicalidad profesional?

-Es un malabarismo, un equilibrio difícil. Tengo la suerte de tener familia: ayuda con los hijos de parte de mi madre y mi suegra. Viajo mucho menos que antes. Mi nuevo estudio en casa me ha ayudado a ser creativa cuando salía menos. Grabé estos últimos discos desde ahí. Mi marido también edita sus películas allí. Produje mi último álbum, ayudé un poco con "Anna Karenina" . Es encantador tener un ambiente creativo aquí, para nosotros y también para los niños.

Fuente: The Wire